De espejos, ofuscación y locura va la cosa.

Qué decir sobre Between The Buried And Me que no haya dicho ya… pues todo, porque me he dado cuenta de que no tenía nada escrito sobre ellos en este rinconcito particular que tengo en la red de redes.

Between The Buried And Me son un grupo que hacen una cosa así raruna: mezclan lo que vienen a ser las bases del metalcore, de este que escuchan muchos flequilleros (no nos llevemos las manos a la cabeza aún) con elementos técnicos y progresivos, lo cual me lleva a suponer que gustarán a fans de Dream Theater que hayan abierto sus mentes hacia voces guturales, berridos salvajes y demás parafernalia vocal surgida de combinar voces del metal más extremo con el hardcore.

Photo by Justin Reich

Y ahora, ved cómo las gastan:

El motivo de esta entrada es, por tanto, conseguir que mis lectores escuchen a este grupazo. ¿Y cómo lo voy a conseguir? Recomendando ni más ni menos que un álbum majestuoso como es el The Great Misdirect, lanzado oficialmente el 26 de Octubre de este año que estamos terminando.

Este disco nos presenta seis temas, la mayoría de gran duración (cuatro rebasan los nueve minutos), muy bien estructurados y que posiblemente os vuelvan locos a la primera escucha.

Para empezar, han repetido una fórmula que ya usaron en alguno de sus anteriores largos como el Colors: Empezar acariciándonos con un tema suave hasta que se enlaza a una segunda parte que de suave tiene más o menos lo que un cepillo de clavos. En este caso, las canciones escogidas son Mirrors y Obfuscation, que comparten parte de su letra, lo cual nos deja una sensación agradable al escucharlas y las conecta de maravilla.

Después de esto, llegamos a esa cazurrada que es Disease, Injury, Madness. Hasta casi entrado el minuto segundo pensaremos que nos estan pegando por todos lados, nos sentiremos sacudidos e incluso violados por la voz más agresiva del amigo Tommy Rogers, que nos da un respiro en una de las partes más bonitas del disco: el diálogo entre un niño y un hombre que termina con una preciosa guitarra que nos acompaña hasta la mitad del tema, donde está el momento estúpido del disco: ¿a quién se le ocurre meter un caballo relinchando y una música de western? De todas formas, no importa, el solo de bajo lo compensa con creces.

Menudo estilo tiene este tío, pieza clave del disco sin duda.

En Fossil Genera – A Feed From Cloud Mountain nos encontramos con unos teclados que, como se demuestra en todo el disco, han mejorado sustancialmente con respecto a su anterior álbum y que ahora sirven de base perfecta para un riff demoledor.

Mejora notable de este caballero, incluso en las partes vocales, por difícil que parezca. Foto de Andrew Lipovsky

La parte que comienza en el minuto octavo de canción está llamada a convertirse en una de las mejores de toda la discografía de esta banda de aquí a unos años, me atrevo a afirmar: una guitarra que nos introduce a unas voces suaves y unos “We must move on” que a buen seguro serán coreados en todos sus conciertos nos llevan a otra de las sorpresas del disco: Desert of Song.

Sorpresa, sorpresa: este tío canta de vicio. Foto de Eric Dale.

En ella, Paul Waggoner lleva la voz cantante, compartiendo protagonismo con Tommy Rogers, y dando como resultado un dueto con un regusto añejo que, a mí personalmente, me ha encantado. Tanto que quiero un disco en solitario de Paul Waggoner ya, siempre y cuando no tenga que irse de BTBAM para que eso se cumpla.

En el tramo final, llegamos a Swim To The Moon: un tema de esos que necesitaría otro disco para él sólo. Sinceramente, lo único que le falta para que sea una de las mejores canciones de esta última década es tiempo, así de claro.

Ni de coña le dejo yo sin representación a este, es un grande y punto. Foto por Andrew Lipovsky (tiene estilo, pero ni perra de quién es)

En este tema se salen todos, no hay un momento en el que puedas descansar, y en cuanto lo hay, la canción vuelve a subir su intensidad para que no te despistes. El apoteósico final llega después de una parte instrumental en la que podemos encontrar guiños a White Walls (básicamente se tocan un trozo, así que de guiño poco) el temazo que se encargaba de cerrar Colors.

Fuera del aspecto meramente musical, quería decir unos detalles que me han llamado mucho la atención positivamente, a saber:

El artwork del disco es brutal, con una portada compuesta por dos capas: una imagen a colores semitranparente y una foto que se superponen y forman una imagen extraña pero bonita. (Vale, sé que no es Paul Romano y su trabajo en el Crack The Skye, pero mola mucho).

La edición deluxe, que podéis encontrar por treinta míseros dólares con regalo de una camiseta, incluye un doble disco, CD y DVD, y este último consiste en, por una cara un reportaje sobre el trabajo para el disco, y por la otra es un DVD-A con el álbum en 5.1 Surround. (Y este es un detalle muy prog, no podéis negármelo)

En cuanto a verlos en directo… bueno, pues el asunto está jodido, el caso es el siguiente: mientras por EE.UU. están girando como cabezas de cartel llevando como teloneros a Devin Townsend Project, Scale The Summit y Cynic (toma ya) por Europa van a actuar como teloneros de Lamb of God junto a August Burns Red y Job For A Cowboy, pero de ninguna de las maneras pisarán España, así que lo propio sería desplazarse hasta París o Londres o alguna ciudad que esté en un país que no sea este o Portugal (si nos jodemos nosotros, ellos van detrás).

Difícilmente veremos esto en España... confiemos en alguna promotora caritativa. Foto por Brent Goldsmith.

Lo dicho, dadles una escucha, aprovechad e id a sus conciertos si vivís en un país civilizado y todo eso. Yo me voy a ver el Colors_Live, me ha entrado el mono.

Esto vuelve, señores.

Esta entrada no pretende más que dar las gracias a todos aquellos que me preguntaron por el blog, por cuándo volvería, sobre qué sería de su vida, si sería su final, y todas esas preguntas típicas cuando llevas tres meses sin actualizarlo.

Entiendo vuestra preocupación, oh mis acérrimos seguidores, así que colleja para mí.

Que conste que no todo ha sido culpa de mi persona; mi ordenador lleva desde principios de octubre de paseo por servicios técnicos y eso impide, en cierta manera, escribir cómodamente (he ido usando una libretilla para este fin)

Suficiente tontería por ahora, sólo me queda anunciar que espero poder realizar algunos cambios en esto lo antes posible y daros la bienvenida de nuevo.

Cumpleaños fragile

Tal día como hoy, una década atrás, era oficialmente lanzado al mercado uno de los discos que cambió posteriormente mi manera de entender la música y me hizo empezar a percibir sentimientos que no buscaba antes al escuchar música ni en el arte en general.

Estamos hablando de The Fragile, de Nine Inch Nails

The Fragile es el tercer disco de estudio de Nine Inch Nails.

Después de darse a conocer con Pretty Hate Machine y desplegar la brutalidad en Broken y The Downward Spiral, este doble álbum es presentado como una mezcla de todo ello y más: encontraremos partes electrónicas, momentos en los que la música es mucho más agresiva y guitarras distorsionadas que acompañan teclados que nos relajan durante interludios instrumentales que desembocan en electrónica ambiental.

Por todo ello, el ábum recibió muy buenas críticas desde el primer momento, pese a ser criticado por su longitud (son dos horazas menos cuarto) y por el carácter más intimista de sus letras, perfectamente comprensible si tenemos en cuenta que durante esos cinco años en blanco entre The Downward Spiral y este disco, su abuela, quien le había criado, falleció, haciendo que Trent Reznor se sumiese en una profunda depresión y comenzase a abusar de las drogas.

Trent en el vídeo de We're in This Together

Para promocionar este álbum, se extrajeron cuatro singles: The Day The World Went Away, We’re in This Together, Into The Void y Starfuckers, Inc.

Dentro de lo que cabe, representan bastante bien la esencia del álbum:

The Day The World Went Away comienza con varias capas de guitarras distorsionadas que llevan a una estrofa entonada muy suavemente; tras ella, volvemos a ser golpeados por las guitarras mientras varias voces tararean un ritmo hasta un brusco final de la canción;

We’re in This Together es un tema mucho más largo que empieza con una máquina de ritmos a la que se unen una guitarra distorsionada y una batería que mantienen un mismo ritmo a lo largo de toda la canción. Con unas letras tristes por una parte, pero que albergan esperanza, es una de las canciones más conocidas de Nine Inch Nails y en mi opinión, una de las mejores;

Into The Void, por su parte es un tema extraño: lanzada como single sólo en Australia, comparte su inicio con “La Mer”, además de parte de su melodía. Las letras, contrariamente a We’re in This Together, no albergan esperanza alguna; el verso

“Tried to save myself but myself keeps slipping away”

da fe de ello. Esta frase es la estructura central de la canción, sobre la que se instalan los demás instrumentos, donde destacan sobre todo unas guitarras muy agresivas y una parte instrumental donde destaca un sintetizador que nos vuelve a llevar a la repetida frase, hasta que los instrumentos cesan y ésta es repetida una vez más a capella para dar por finalizada la canción.

Starfuckers, Inc. es completamente diferente: los instrumentos nos acompañan durante todo el tema para dar soporte a unas letras que crearon polémica debido a que critica la vida de los personajes del mundo de la música, y en el videoclip, Reznor dispara contra varios de ellos, destacando Fred Durst, de Limp Bizkit, Billy Corgan, de los Smashing Pumpkins y él mismo.

Trent en el vídeo de Starfuckers, Inc.

Sin embargo, los singles a veces no son lo más destacable de un álbum y en este caso, canciones anónimas merecen ser más que mencionadas; como por ejemplo Somewhat Damaged, que empieza con una batería marcando un ritmo simple mientras que la guitarra se le une al compás de 9/4, acompañando a varias capas de sonidos electrónicos que crean un ambiente hasta que comienza la parte vocal donde se demuestran las habilidades para gritar de un modo bastante aterrador del señor Reznor.

Just Like You Imagined es un tema con partes escritas en un compás de 10/4 en el que destaca sobre todo la colaboración al piano de Mike Garson, que toma el protagonismo después de una introducción encabezada por un sintetizador que crea un ambiente ruidoso y vuelve a aparecer tras la parte de Garson acompañado de varias capas de  guitarras tocadas por Danny Lohner y Adrian Belew que nos conducen hasta un final donde el piano vuelve a destacar en una calma total.

La Mer, citada antes por compartir elementos con Into The Void, es un tema instrumental que sirve de interludio donde un piano nos conduce a una parte donde una batería y un bajo destacan sobre todo lo demás, creando una canción atípica, un precioso crescendo por el cual sin duda merece la pena dejarse llevar.

Y finalmente, para no extender demasiado esta entrada, la última canción, la íntegramente dedicada a su abuela, Clara, I’m Looking Forward to Joining You, Finally. Nunca ha sido tocada en directo, quizá por la carga emocional que lleva implícita. En ella, aparecen un loop de batería y extraños sonidos de percusión, así como la voz de Trent y algunos arreglos de cuerda y un piano. Al final del tema, todos los instrumentos tocan secciones completamente diferentes para luego volver a las iniciales y dar por finalizada la canción, realmente emotiva.

Parranda en Bastiagueiro

Ayer he ido a un festival veraniego celebrado en un emplazamiento cojonudo: La Casa da Silva, justo encima de la playa de Bastiagueiro. El evento en sí parte de una idea simple: tocar unos amigos alquilando una casa que el Ayuntamiento cede a los jóvenes con ese propósito y, de premio, traerse a un grupazo de fuera para cerrar una gran noche.

Además, contaba con otra ventaja: el precio de la entrada no era nada más y nada menos que lo que tú quisieras dar, así se recaudaban fondos para pagar (espero que no quedara en un intento) la gasolina para la vuelta de Frieda’s Still in Love a Valladolid. También se montó un bar para este mismo fin, con unos precios más que reducidosdineró dineroLa filosofía de hacer este festival gratuito e intentar recaudar, poniendo un bote de aportación voluntaria.

EL BOTE, creo que la foto lo dice todo.

Para abrirnos el apetito, se presentaron en directo LED, un grupo de electrónica que actualmente se encuentra tocando y ensayando en formato de dúo, pero que pretenden “dar caña” en cuanto consigan una formación de cuarteto.

Simón y David, LED en formato dúo.

Desde el noise al ambient, la música de este grupo está basada en un par de sintetizadores, teclados una guitarra y una batería, y la verdad es que dieron un buen concierto.

Los siguientes en salir a la palestra fueron Nuestros Días de Abundancia Están Contados, que además de tener un nombre guapísimo, suenan bien, pese a que la voz no era demasiado nítida; con un estilo basatnte experimental, con unos desarrollos largos y samplers de voz que le dan un toque interesante y entretenido.

Brains Expired dieron un concierto con un sonido algo problemático que posiblemente habría sido mejor si pudiera oírse mejor la voz y una de las guitarras, porque había momentos en los que el bombo y el bajo era lo único que se podía oírse desde cualquier sito de la casa.

Tras un pequeño descanso vinieron At The Beauty of Sunset: es interesante ver como teniendo tan sólo un tema en su myspace generan tanta expectación; practican un metalcore con toques de cazurrada death que, pese a no ser mi estilo, me hizo disfrutar como un enano, además de provocar que todo Cristo, y perdón por la expresión, se lanzara a hacer mosh sin pensárselo dos veces, un servidor incluido, momentos después de guardar la cámara.

Los siguientes fueron Mousiké, otro grupo del que tampoco había oído nada (principalmente, porque no lo tienen en el myspace) y que me sorprendieron bastante y me gustaron aún más cuando se marcaron una versión de “Elite” de los Deftones.

Tras un breve descanso, cambio de equipo y demás, vinieron Desidia a dar lo que sería la última oportunidad de escuchar en directo los temas de su único álbum (por ahora)

¡Bú! Esta foto tiene algo que me hace querer ponerla.

El sonido fue excelente, y se podría decir que todos los presentes disfrutamos como enanos: no había persona que no estuviera saltando o dejándose llevar (según procediera) con su música.

Cediendo el micro como en todo concierto que se precie

Una de las constantes de ese concierto: si no te levantaron fue porque no quisiste xD

Tras recordar que a su vez el primero había sido en ese mismo lugar, tocaron un par de temas y dejaron paso a  Frieda’s Still in Love, que dejaron a todos los asistentes boquiabiertos: nadie se esperaba que su combinación de post-rock con screamo fuera a sonar así de bien, con dureza donde era necesaria y unos desarrollos intrumentales suaves y emotivos.

La verdad es que dieron un concierto difícil de olvidar.

Tras unos cuantos temas que se hicieron cortos, cortísimos, anunciaron el que sería el último “porque no tenían más”. La reacción al terminar el concierto fue una mezcla entre bienestar y ganas de más y enfado por haber sido (o parecido) tan corto, que es la que debe dejar un buen concierto en mi opinión.

Las luces apagadas, con sólo un par de bombillas encendidas a la altura de los pies creaba un ambiente cojonudo.

En fin, que espero que lo hayáis pasado tan bien como yo, que esto se convierta en una constante a celebrar todos los años si sale así de bien y poco más voy a decir.

Los despropósitos que he ido pegando en la entrada están, junto a otros peores incluso, en mi álbum de Flickr.

El grupo nuevo de Omar

Bueeeno, con esto de estar en Londres todo agosto tengo esto más abandonado que de costumbre, así que voy a tratar de hacer una entrada sobre un disco que la verdad, me ha gustado bastante y que me he hartado de recomendar.

Aparte de tener un título cojonudo, la portada mola mil y te hace imaginarte un poco por dónde va el estilo del disco.

El álbum, que se nos presenta como un “grupo nuevo” no es más que otro de los alter-egos del amigo Omar, y como cabría esperar, guarda algunas similitudes con sus otros dos proyectos más importantes: El toque personal se nota y, pese a no llegar al casi jazz de algunos de sus discos en solitario muestra similitudes con ellos; por otra parte, la influencia de las compañías que frecuenta en este disco se nota, y las composiciones van encaminadas por donde todos los fans de The Mars Volta esperamos, aunque tampoco llega a las cotas de psicodelia y locura máximas que encontramos en la “banda madre”, pero se mantiene en un agradable punto medio que te hace poder escuchar este disco y disfrutarlo plenamente sin la necesidad de pensar en si mejoraría bajo el efecto de sustancias psicotrópicas y/o alteradoras de la conciencia.

Sin embargo, este álbum es un excelente remedio para los que hayan pensado que “Octahedron” les ha quedado a medio hacer a Cedric, Omar y compañía, grupo dentro del cual no me incluyo porque soy un fan mojabragas admiro mucho el trabajo de esa gente.

Entrañables frikazos, a cada cual peor.

Lo que me primero me ha llamado la atención en este disco y me ha hecho ponerlo de primero en mi lista de discos pendientes por escuchar es que este disco surgió como una colaboración del Sr. Rodríguez-López con Zach Hill en la percusión, que ya se ha incorporado oficialmente a la lista de amigos de Omar, porque ya tienen otros dos discos preparados bajo el nombre de El Grupo Nuevo.

No le hacen falta tantas baquetas al hombre, con un par ya las lía gordísimas.

Para los que se estén preguntando quién es el tal Zach, decir que es conocido por ser el batería de Hella, Team Sleep (el proyecto paralero de Chino Moreno de Deftones) o Goon Moon, además de haber lanzado un disco en solitario altamente recomendado.

En cuanto a la producción, ha sido realizada por el propio Omar y, cómo cabía esperar, ha sido lanzado por su propio sello, aunque yo le encuentro un problema: Hill se mete en el papel y puede parecer que resalte demasiado, como el amigo Thomas Pridgen en los últimos discos de The Mars Volta, sin embargo el estilo y la técnica que tiene lo hacen merecer una escucha centrándonos sólo en la percusión.

Y de regalito, para quien quiera escuchar algo, las promos del álbum:

Discaffinity: ¿Éxito o cagada?

El otro día pajareando de madrugada por la red llegué casualmente hasta ésta página, y la dejé anotada en un marcador de Firefox que he visto hace relativamente poco.

He escogido una captura que sensibilice a los posibles lectores, que conste.

Al verla por primera vez pensé que era una idea genial, con un regustillo a Rate Your Music bastante claro y una estética bastante simple, pero, como ya digo, con una función interesante.

Dentro de las carácterísticas que le pueden hacer interesante se encuentra la de tener la funcionalidad de poder añadir los discos que no encuentres en la base de datos (bastante escasa, por cierto, pero supongo que irá ampliándose), así como listas que agrupan los mejores discos nacionales, internacionales y toda la pesca.

Por ahora no tiene demasiadas funciones, pero todo se andará.

Por lo de pronto no me he registrado, y he estado leyendo en foros y no he hecho más que ver opiniones muy dispares: en algunos lados lo ensalzan y consideran una web muy a tener en cuenta para los amantes de la música mientras que en otras la critican por aspectos, a mi parecer fácilmente subsanables, como el hecho de que no haya apenas comentarios (reseñas de los discos, vamos) y la tardanza por parte del equipo que administra la página en atender tus peticiones para añadir discos (cosa que en otras partes he visto que era al revés)

Además, he visto otros inconvenientes no relacionados con el funcionamiento de la página, como es el hecho de que me parece terriblemente difícil tener que dar una fría nota numérica a un disco y que

[Modo Steven Wilson ON] La gente ya no escucha discos porculpa del formato digital la música se está perdiendo, el concepto de álbum y no es lo que era, … [Modo Steven Wilson OFF]

Yo, después de este división de opiniones y pese a sus inconvenientes, creo que voy a probarlo por mí mismo, creo que complementará bien mi perfil de Last.fm

¿Alguien se anima?

Wavering Radiant

Lo primero, decir que el título de la entrada es una sosada, pero no tenía ni zorra idea de como traducirlo ni se me ocurrió nada ingenioso, así que la entrada tendrá este nombre.

Lo segundo, comentar que esta ausencia se debe a los exámenes, fin de curso y toda esa suerte de agobios (o no) que nos toca sufrir a los estudiantes unos meses al año.

Y después de estos avisos, ya podemos ponernos en serio con esto.

Siendo un disco de Isis preferí tomarme un poco de tiempo para tener algo sólido que decir, y la verdad es que creo que he hecho bien, porque estos discos hay que “digerirlos”.

La verdad es que Turner es un verdadero jefe: además de componer diseña cosas como éstas.

Wavering Radiant es todo lo que te puedas esperar de un disco de Isis y más; interludios tirando a progresivo, partes de voces surgidas de la nada, incluso limpias, como en el criticado In The Absence Of Truth que ciertamente le dan un toque de variedad al álbum que se agradece.

Lo cual no quiere decir que sea un disco aburrido, ni mucho menos, sólo que tanto ritmo lento sin voces puede aburrir a los que quieran comenzar a escuchar Isis y en este disco solventan ese problema añadiendo esas melodías.

La verdad es que tengo un problema con este grupo: la mayoría de las fotos que veo suyas me encantan.

¿Veis? Ya se me ha colado otra foto ...

Dicho esto, poco tengo que decir de las canciones; tengo la costumbre de escuchar los discos de esta gente seguidos, como si de un solo tema se tratase (y como se debe hacer), y no tengo ningún single en mi mente que sacar fuera del contexto del álbum y decir: ¡Qué temazo!, sin embargo hay momentos que me gustan por encima de otros, citaré alguno para darle profesionalidad al asunto, como el burrísimo principio de “Threshold Of Transformation” después del final suave del anterior tema, “20 Minutes / 40 Years”, el comienzo de “Ghost Key” atrapa, aunque en realidad la canción en sí tiene un algo hipnótico y “Hand Of The Host” me pone los pelos de punta desde el minuto sexto, aproximadamente.

Visitando la página en Wikipedia del álbum me he enterado ahora mismo de que hay una canción que es un bonus track para los japoneses (siempre tienen mierdas así, ¿qué hacen) llamada “Way Through Woven Branches“que tengo que escuchar

Otro aspecto que, para mí, siempre destaca en sus discos suele ser el artwork: Aaron Turner suele ser el encargado de diseñarlo y la verdad es que es precioso, y el de este disco me gusta más que el de los anteriores, si cabe.

Con un libreto así, da gusto.

Y II

No lo acabo de ver claro éste, eh, ...

Por último, sólo me queda recomendaros que le deis una oportunidad y lo escuchéis con calma y que visitéis el blog de Aaron Turner, donde cuelga cosillas que va diseñando aunque con una frecuencia algo escasa.

¡Saludos!

¡Si no escucháis mi disco descargaré mi ira sobre vosotros y os arrancaré los genitales a mordiscos!

El cabezacubo y sus problemas con la población

Pensando el otro día en que disco reseñar de todos los que tiene Buckethead para hablar algo de él, no se me ocurría alguno que le definiera perfectamente, ni le encuadrase, ni nada similar,  pero porque es imposible.

Tiene unas manías curiosas, como la de repartir juguetitos y tocar con bustos y figuras raras, pero se las perdonas al verle tocar un par de compases.

Pero es que este tío se marca unos discos tan sobrenaturales que no hay donde meterlo, es así el, o bien te hace una paja mental de esas que tanto gustan a sus fans o bien se saca un disco “normal” de fusion (Funk y Jazz según Wikipedia) como la copa de un pino como es este Population Override.

Curioso, pero no tengo nada que poner aquí, ...

Aviso, este no es el estilo que dominará en el resto de las composiciones de este hombre, sin embargo me parece un disco basante importante y está entre mis (y sus, por lo que he podido leer) favoritos.

La apertura no puede decir más: “Unrestrained Growth” y “Too Many Humans” son temas que ya quisieran para sí muchos guitarristas del género, y a mi gusto de lo mejorcito del disco, realmente incita a seguir escuchándolo, con unas melodías que te transportan, realmente buenos.

El siguente tema, “Population Override” se une perfectamente al interludio titulado “Humans Vanish” y conserva la tónica de los dos anteriores, alargando el éxtasis un poco más; preo si decidimos que no queremos seguir escuchando es álbum por el motivo que sea, nos las veremos con un problema: “Cruel Reality Of Nature”; con esta canción, es difícil seguir queriendo apearse en medio del recorrido pues está ahí cual vigilante para evitar que le des al botón de stop; y es que este tema se merece una entrada para él solo, hipnótico como pocos, puede llevarte a un escenario como el de la portada del disco a la mínima que cierres los ojos, así que cuidado, Buckethead sabe cómo hacerte alucinar y en esta canción da buena fe de ello.

Si ves un cartel así, te imaginas que el rollo irá de algo psicodélico o rarillo, ¿no?

Después de este corte vienen dos que siguen con la línea del disco, “A Day Will Come” y “Earth Heals Herself”, de las que poco tengo que decir más que que me encanta el nombre de la segunda y que va muy bien con el ambiente del disco, porque son piezas que siguen en la línea de las anteriores sin a mi juicio aportar mucho, y ahí está la oveja negra: “Clones”; hablando claro, no pega una mierda con el estilo del disco, y en mi opinión corta el rollo en buena parte: que te puede gustar o no, pero es que le va como a un santo dos pistolas, lamentablemente, porque no es mal tema.

Sin embargo, si decidimos continuar con la escucha prestando o no atención al susodicho tema, que me gusta, todo sea dicho, nos encontraremos con el grand finale: “Super Human” y “…” son dos temas que bien podrían ser uno, tanto por la duración (juntos suman apenas seis minutos y medio) como por el contenido, pues ambos ayudan a cerrar el disco de manera magistral.

Una vez terminada esta experiencia de casi una hora sólo te quedan ganas de decir ¿repetimos?

Información adicional: el disco fue concebido después de las sesiones para el disco “Brain Circus” de Cornbugs,en el que tocaron también Travis Dickerson y Pinchface los teclados y la batería, respectivamente.

Y según Travis Dickerson:

Almost all the music is just us communicating as we play. The songs started as a riff that either I or Bucket would start playing and then we would all go from there. On some of the tracks we worked out some cord [sic] changes but a lot of them were just made up as we went. We worked out a lot of stuff as overdubs and that helped give it structure. (…) We recorded the little guitar snippets just for what they were used for, track segues.

Quien me diera a mí comunicarse como lo hacen estos hombres, la verdad.

Buenas noches.

Vheissu

Hoy voy a hablar de un álbum que me encanta, el Vheissu de Thrice.

Para situarnos, Thrice son un grupo de post-hardcore de Irvine, California. Su estilo se define como una especie de hardcore con mucha melodía alternada con rasgados en las voces, guitarras que generalmente la acompañan y bases instrumentales generalmente precisas pero simples, y es parte de lo que se dio a conocer como “screamo” en su día.

Todo el mundo recuerda a My Chemical Romance, From First To Last, Escape The Fate y todas esas hordas flequilleras y las metería perfectamente dentro del género “emo”.

Pues bien, Thrice pertenecen a este género; no es la mejor manera de comenzar una crítica de un disco, ¿verdad? Pues la explicación viene ahora: en sus primeros discos mostraban influencias de los primeros grupos de post-hardcore, bastante plano y poco innovador, pero con la publicación de su disco “The Artist In The Ambulance” ya apuntaban maneras, y finalmente con el disco que nos ocupa, Vheissu, lanzado en 2005, se demostró que sus aspiraciones eran romper esa etiqueta con una fina mezcla de elementos que les permitió crear un sonido muy propio y distanciarse mucho en calidad de todas las demás bandas del género.

Portada de la edición limitada, con un libreto despampanante.

Este disco tiene una variedad de registros bastante amplia, y pasa por canciones que son directas, como el single “Image Of The Invisible”, a melodías de piano en “For Miles”, un fragmento de la canción japonesa “Sakura” al inicio de “Music Box” y unos coros con una subida de intensidad brutal en “The Earth Will Shake”.

Pasando estrictamente al disco en sí y toda la presentación y eso, diré que me parece bastante buena, o al menos la de la edición especial que tengo yo. (Sale más barata de importación en Fnac que pedir la normal a otra tienda de España, así que tampoco es excesivamente especial)

El libreto contiene las letras de todas las canciones, acompañadas por unas ilustraciones que van bastante con el estilo de la portada y al lado de las letras relata cómo fue creándose la canción, ideas que surgieron, hablan de los compases y toda esa clase de puntualizaciones, por lo que suelen dar detalles bastante interesantes y te acercan bastante a lo que es el proceso compositivo.

Es este un disco que recomiendo sin dudarlo, si lo veis de oferta u os apetece probarlo, es una compra muy buena.

Especialmente aconsejo escuchar “Red Sky”, el otro single “Image Of The Invisible” (he puesto el vídeo abajo, en la postdata) y la ya citada “The Earth Will Shake“.

Además parte de los beneficios están destinados a 826 Valencia, una organización de voluntarios que fomenta la educación de adolescentes en ciudades de Estados Unidos poniendo tutores a escolares que los necesiten, y generalmente parte de los beneficios de los discos de Thrice están destinados a obras así, lo cual es otro punto a su favor.

A modo de comentario, el disco generó algo de controversia, puesto que fue su segundo largo con Universal y se les acusó de haberse vendido tanto por la introducción de esos elementos como por hacer su álbum más largo y -por así decirlo-  adulto hasta el momento, lo cual me parecen polladas y los fans que hacen eso deberían irse a escuchar Manowar. He dicho.

Pd: el código morse del principio de “Image Of The Invisible” deletrea el título del disco, según wikipedia.

Volviendo a las andadas

Bueno, después de esta ausencia de más de una semana debida a problemas técnicos, regreso con un mono del copón y con unas cuantas entradas pensadas.

Así, que sin más dilación, ¡saludos otra vez!

Pd: estoy preparando varias cosillas en el blog, un iconito por aquí, un banner por allá, así que espero que podáis verlas pronto, ¡escasos pero fieles lectores!